di Riccardo

Un tentativo ardito ma scorrevole di commutare il proprio disagio all’interno di una forma pop volutamente classica.

Piccoli quadri sonori che restituiscono un senso visivo fortissimo, quasi cinematografico.

Il ritorno discografico di un autore che ha attraversato stagioni cruciali della musica americana.

Un album che non teme di mostrare il fascino antico delle ballad e dei medium slow.

Uno spirito eclettico che si diverte ancora a insinuarsi nei dettagli della forma, sapendo trasformare, attraverso l'improvvisazione, tutto quello che si affronta.

Un universo sonoro vellutato, sensuale ed elegantemente retrofuturista.

Un album che è un paesaggio.

Voce velatamente roca, timbro imperfetto, storie di malinconia e di cuore raccontate togliendo tutto ciò che può essere superfluo.

Costruzioni lineari di altri tempi ottenute per continua sottrazione di elementi contemporanei.

Un trattato implicito sul senso stesso dell’improvvisazione.

Una costellazione di momenti che rimandano alla natura, al silenzio, a paesaggi vissuti all'aria aperta.

Un proclama dove ci si augura che la Musica Nera Americana venga tramandata alle generazioni future, sempre scossa da nuova vitalità.

Un ritratto sincero, fragile e insieme impietoso dello stato delle cose nell'ambito odierno della pop music.

Senza essere l'intenzione principale, un fenomenale test di esecuzione jazzistica.

Un lavoro al di fuori delle mode per una voce sincera della musica americana contemporanea.

Per me, ad ora, il miglior album del 2025.

Per riconsegnare a distanza di anni un po' di merito postumo a un grande album.

Un atto di addolcita disobbedienza verso il mainstream.

Un sacerdote del genere che rende il blues, il rock blues, inevitabile come un rito.

Un album che espone la struttura invisibile del grande American Songbook.

Un latin jazz liberato dai suoi stessi totem, che smette di cercare approvazione e parla “da dentro”.

Un album ai sapori di un'ottima pietanza di New Orleans.

Una celebrazione potente ed entusiasta del rock’n’roll nella sua forma più viscerale e autentica.

Quando la musica abita il presente, pur non disdegnando la Storia, accadono piccoli miracoli.

Un’esperienza acustica che si pone su quel sottile confine tra il tangibile e l’immaginario.

Dritti nella la pancia di un rock poco avanguardista e piuttosto piacevolmente retrò, con un turbinio di suoni e sudorazion.

Da molto tempo non mi imbattevo in un album di questa caratura.

Alla soglia dei settant'anni, è autore intatto e imprevedibile, e chi non l'avesse prima d'ora frequentato avrà pane per i suoi denti.

Un profondo album di rock vecchia maniera, scritto da uno scrutatore di derive umane che conosce bene l'essenza dei suoi concittadini.

Un'artista in costante evoluzione, capace di navigare tra culture e suoni con una grazia rara.

Un disco che ha il sapore di un classico, ma senza l'arroganza di volerlo essere.

Dove le acque del Mediterraneo si mescolano con quelle del Norskehavet.

Dedicato a quelli che pensano di vivere tuttora in un orgiastico continuum con il proprio passato...

Un autentico regalo per gli appassionati di lunga data e un’apertura per le nuove generazioni, che potrebbero così scoprire oggi la profondità e la bellezza di John Taylor.

Un absolute beginner che ha già vissuto tutto e lo amalgama con innegabile talento personale.

Un nomade della ricerca musicale che non dimentica la sua provenienza e i suoi riferimenti stilistici.

Un'opera potente e oscura, un'elegia distopica dedicata apparentemente alla Gran Bretagna in declino.

Ottantottenne, torinese di nascita ma milanese d'adozione, uno di quei grandi musicisti che hanno fatto la storia del jazz italiano.

Quanto di meglio sia capitato di ascoltare recentemente sull'ampio fronte dell'etno jazz.

Un Paese dai sogni perduti, popolato con personaggi che conoscono più il peso della sconfitta che la pienezza della vittoria.

Un album che scollina oltre i confini del jazz tradizionale per esplorare territori inaspettati.

Un album che ha trascorso quasi due decenni nella dimensione dell’incompiutezza, sospeso tra mito e realtà, e che solo ora trova la sua forma definitiva.

Un modo di scrivere e di arrangiare che spinge all'angolo i confini del jazz contemporaneo, senza mai perdere di vista il cuore dell’improvvisazione.

Ovvero di come i jazzisti BadBadNotGood abbiano prodotto e supportato strumentalmente una cantante e autrice neo soul e r&b.

Se la vostra testa ribolle di musica soul, rock e blues, anche senza una precisa gerarchia di gradimento...

Un album esemplare per la misurata essenzialità, che trasfigura in vari stili, ma senza eccessi di sorta.

Un disco fatto di mare e sole da un lato e una visione sognante della realtà dall'altro.

Quando questo strumento a mantice è ben condotto all'interno di formule aperte, tipicamente jazzistiche, si ottengono risultati sempre affascinanti.

Quando il jazz incontra il classico quel che ne risulta è sempre un'incognita, e Batiste non sfugge a questo principio matematico musicale.

Un amalgama strumentale pieno, materico, quasi carnale, tra le migliori composizioni hard bop moderne.

Un album pieno di sentimento, come appunto solo la musica soul può riuscire a realizzare.

Un album centrato sullo schema tema/assolo/tema espresso però con un'interpretazione anticonvenzionale, da ascoltare senza pregiudizi.

Una band che possiede la capacità di farsi benvolere con brani agevoli, immediati, che ti vien voglia di riascoltare quasi in loop.

Grande tecnica strumentale, incredibile estensione sonora e un approccio inedito al monaco del bebop.

Un sound acustico intricato e debordante con sferzate elettriche finali, com'è spesso il mondo là fuori.

Un esordio discografico da titolare di cui bisogna apprezzare tutte le possibilità aperte sul futuro di questa artista.

Un album tra i più accattivanti per chi ama il rock un po' sporco e non ha mai dismesso l'amore per le formazioni più classiche possibili, cioè due chitarre, basso e batteria.

Un duo all'esplorazione della rarefazione armonica, di uno spazio sospeso che richiama gli autori impressionisti del primo Novecento.

Un artista che non invecchia musicalmente, così come non mostrano mai gli anni i brani che sa proporre.

La mano sciolta di un batterista non la si vede tanto, ma qui è dedita con puntigliosa accuratezza alla sostenibilità del ritmo.

Tracce non sempre d'intensità costante ma con una limpidezza d'intenzioni incontestabile per una band come questa insieme da decenni.

Pianista, organista, tastierista, chitarrista, clarinettista, bassista elettrico, batterista... C'è altro da aggiungere per interessare all'ascolto di questo suo secondo disco?

Un omaggio inaspettato al Great American Songbook da parte di un eclettico che si è mosso tra indie-rock, folk, pop, pillole jazzate e accenni swinganti.

Una voce senza enfasi e una musica asciutta che rivelano un puntiglioso lavoro di scrittura e di capacità d'arrangiamento orchestrale.

Un'oasi di freschezza acustica, un ritorno a lavori semplici e più lineari per un musicista che, come produttore, ha molto promosso il successo altrui.

Non una rivisitazione acritica del patrimonio originale di Faurè, approccio che rende quest'opera sicuramente degna di ascolto e riflessione.

Un luogo come pretesto simbolico, per gli stessi autori e la storia della musica.

Un omaggio al musicista newyorkese scomparso vent'anni fa, con un titolo evidentemente ispirato dal noto brano dei Beatles.

Un album che racchiude in sé il senso dell'eclissi di un intero immaginario.

Un duo europeo innamorato della musica statunitense, un successo annunciato con un solo album alle spalle.

Il lavoro d'esordio da titolare di chi ha già al suo attivo una ventina di partecipazioni e che ricorda la tecnica sicura e l'inventiva eclettica di Miles Davis.

Un album che, per equilibrio e consapevolezza, pone di fronte a una vera e propria forma di igiene aurale.

Il senso del tragico – rimpianto, lutti e abbandoni – sublimato in una veste leggiadra e delicata, da centellinare sorso dopo sorso.

Chissà perché lavori di questa levatura vengono frequentemente collocati in una categoria meno titolata dagli amanti del jazz.

Una musica diversa, dalla presa enigmatica, fatta di fragilità domestica e scrittura a volte fin troppo essenziale.

Come immergersi in profondità verso il fondo della musica tonale e risalire spesso in superficie a respirare aria più effimera.

Un perfetto shunt temporale rock blues, in un luogo imprecisato di almeno cinquant'anni fa.

Come raccontare la Rosa di tutti i venti attraverso note fuggevoli, transitorie come un passaggio di nuvole.

Lei voce storica e purissima. Lui musicista, produttore e tra i migliori arrangiatori italiani. La coppia d'arte e di vita realizza oggi un'uscita che si lega profondamente a Libera, il primo lavoro in solitudine della Ruggiero post Matia Bazar.

Un jazz aristocratico che lascia intravedere le enormi potenzialità di tutti gli elementi della band, con l'eleganza armonica dei tempi migliori della storia del jazz.

Una voce calda, evocativa e riconoscibile nei suoi emozionanti vibrati, che cattura da subito l'attenzione dell'ascoltatore.

Un lavoro ambizioso e ben riuscito, musicalmente sospeso tra oscurità e luce, in una continua altalena tra stati di coscienza ordinari e alterati.

Un rock solido che colpisce duro, ma ingentilito dalla presenza costante di una chitarra acustica.

Un album da riascoltare per poter cogliere le radici originali del jazz scandinavo.

Un lavoro divertente e ben fatto da chi ha alle spalle ben altri cinque dischi dedicati al Great American Songbook.

L'edizione integrale e imperdibile di un concerto storico del 1986 e della sua prima versione in album dell'anno successivo.

Gironzolando attorno alla calamita musicale di Nashville, Russell trova oggi l'opportunità di registrare il suo primo e, per certi versi, spiazzante album.

Un album dal voluto manierismo per una formazione tecnicamente solidissima.

Un melodramma riassunto in un concept, una storia avventurosa e un po' romantica, una fuga dal passato in cerca di redenzione.

Un'emissione vocale, ricca di sfumature dal registro mediobasso, che ricorda Carmen McRae o anche Dee Dee Bridgewater.

Una voce grezza ma docile con storie che s'accentrano spesso sulla minuteria del reale.

Un perfetto e testardo autodidatta che ha vissuto e attraversato tutte le ere geologiche del jazz moderno.

Un disco di inaspettata giovinezza alle soglie degli ottant'anni.

Un navigato testimone del Tempo omaggia amici e mentori.

Il rock da chi lo conosce per esperienza vissuta, dapprima nei vicoli sul retro dei pub fino a calcarne le scene più importanti.

Un'isola felice musicale, né irraggiungibile né utopica.

Come un libro inizialmente poco coinvolgente, ma che si dimostra via via sempre più intrigante nella sua lettura.

Un album meditativo da quel gran manipolatore di elettroniche che ha militato in Depeche Mode, Yazoo ed Erasure.

Un po' di Ellington e un po' di Miles Davis, ma anche molta farina del sacco di un talento puro, prematuramente scomparso.

Una raccolta di miniature, di disegni in punta di pennello su carta filigranata, costruiti artigianalmente ma organizzati comunque in un'opera molto meditata.

Un album per chi ama i cromatismi cangianti della psichedelia.

Un disco solo apparentemente prevedibile, come se dalle radici di una certa pianta germogliasse un arbusto di specie biologica diversa e inaspettata.

Sonorità morbide, temi fortemente melodici, un ritorno a casa che ogni tanto fa piacere a tutti.

Un elegante omaggio a Bobbie Nelson, pianista e sorella del più famoso Willie, scomparsa l'anno scorso.

Una rilettura, in lingua inglese o francese, di alcune canzoni giovani e popolari che parlavano d'amore e di emancipazione sociale in Medioriente negli anni '60 e '70.

Un album interamente strumentale, smaccatamente estivo e decisamente retrò.

Tra standard cinematografici e senza tempo, Haidu omaggia ancora Keith Jarrett.

Un “caro estinto” che probabilmente non si riferisce a nessuna persona in particolare ma a un intero periodo storico.

Curiosare tra autori d'indubbio talento e capacità può essere la corretta chiave di ricerca per afferrare meglio i tempi che stiamo vivendo.

Una voce sempre bella, che brilla di una combustione interna che non accenna a esaurirsi.

Il quinto disco in dieci anni, ottima media senza ossessioni produttive, di un autore dalla personalissima estetica musicale.

Un disco come questo non lo si trova facilmente girato l'angolo, perché non è improvvisabile.

il racconto di un viaggio che separa due storie d'amore, puro e giovane country rock USA.

Da una parte l'obliquo spettro di Thelonious Monk e dall'altra l'animula vagula di Bud Powell.

Lo specchio di un passato carico di fallimenti sociali ma ancora ricco di spunti musicali intriganti.

Una dichiarazione d'intenti di un musicista disposto ad accettare serenamente i cambi d'ispirazione e le trasformazioni che avverranno.

Una raccolta di musica, molto melodica e mai stucchevole, dal lessico moderno, tipicamente di stampo jazz.

Un lavoro composito, che esula dalla dimensione esclusiva della creazione musicale per affrontare un aspetto più letterario.

Un personaggio libero e turbolento che ha cavalcato la propria giovinezza seguendo il mito di un'America libera.

Un disco che conferma quanto il jazz stia cambiando, mutando pelle, stagione dopo stagione.

Smith III approda alla storica Blue Note con un album che sembra ricordare il suo esordio di diciassette anni fa.

Un album uscito ora ma confezionato decenni fa, che ci catapulta in un curioso sfasamento temporale beat.

Un continuo lavoro di scavo, una scarnificazione progressiva delle frasi musicali sino a farne risaltare l'idea primaria.

Un disco scritto sull'acqua, ma destinato a restare nella memoria dei seguaci del genere.

Violini e altri strumenti a confronto, dall'Europa all'Africa.

Mehldau torna ad abbeverarsi alla fonte Lennon-McCartney.

Un album intitolato come uno dei brani più famosi composti da Bill Evans dove sei tracce su otto sono cover dello stesso pianista.

Come uno scoppiettante fuoco d'artificio, questo album promette di illuminare anche le giornate più spente.

il canto di Hinson pare sempre sul punto di sfilacciarsi in mille frammenti, mentre la linea delle sue storie si racconta con precisione crudele.

Un'opera profondamente poetica e non una banale riesumazione di memorie.

Un disco che esprime voglia di vivere e divertimento e che dimostra come il rock-blues sia divenuto un esperanto linguistico.

Un'artista che ha compreso quanto il suo destino sia legato alla musica cantautoriale.

Come fare jazz amando la melodia.

Un gesto d'amore verso il blues e i suoi musicisti da chi comosce bene l'uno e gli altri.

Un trio d'assoluto profilo che dimostra ìl proprio notevole investimento tecnico.

Un orecchio ben temperato non può permettersi di ignorare questa band.

Una bomboniera perfetta, un sacco amniotico dentro cui farsi cullare da alcuni capolavori musicali di tutti i tempi.

L'involontario testamento spirituale di un musicista di sentimenti profondi e grande onestà professionale.

Un album legato all'attenzione climatica, con il cantautore canadese sconfortato ma ancora non rassegnato.

Un omaggio sostanzioso, multidimensionale, in grado di affrontare meditate ballad quanto precipitose corse cromatiche.

Un jazz speziato con aromi funky, quel pizzico di soul e di blues e tanta musica materica.

L'espressione musicale di alcuni tra i più significativi autori lirici in lingua italiana contemporanei.

Un'altra stupenda voce, al suo secondo album, si afferma sulla scena jazz internazionale.

Il ritorno maturo a un disco di piano solo per esplorare la propria interiorità.

Polistrumentista, ma conosciuto ai più come l'arpista italiano e internazionale per eccellenza.

Lo-fi, niente basso e mezz'ora scarsa d'ascolto, ma tanto e puro divertimento.

Un album con radici nell'hard bop alla ricerca di spunti contemporanei per una colonna ritmica del jazz USA.

Il primo live a posteriori, e pure preceduto da una diffusione in streaming, di un gruppo dalla discografia ancora molto contenuta.

Non può che far piacere, dopo tanti anni, ritornare alle radici, all'osso della musica.

Un concept album come non se ne sentivano da tempo nella produzione italiana.

Il secondo album personale di un classe '88 dal jazz affascinante e di grande limpidezza.

Ricordo postumo di un pianista molto amato e considerato tra i suoi colleghi.

Uno tra i più celebrati album del momento. E a ragione.

Uno di quei gruppi che non balla una sola estate.

Un fotografo curioso che annota con umana partecipazione tutto ciò che dei suoi connazionali colpisce la sua immaginazione.

Melodie eleganti per una voce calda e avvolgente, con il giusto sentimento e senza eccessi enfatici.

Una coppia di spregiudicati e giovani musicisti stanno smuovendo alle fondamenta l'estetica del jazz.

Due terzi dei Radiohead per un insieme di ricerca e valore assoluti.

Una voce convincente, qualche melodia che gravi sui sensi, un mondo fatto di persone sbagliate ed ecco che il sortilegio dell’estetica dell’hobo si compie.

Forte dei suoi studi classici, questa pianista conosce bene l’arte di far cantare la sua voce e il suo strumento.

Un esordio apparentemente jazz ma, più adeguatamente, un’opera di new soul.

Opere scritte sull'acqua ma tuttora ardenti.

Un omaggio a Berstein da un pianista da lui stesso apprezzato.

Un disco che può sbaragliare quasi tutte le cantanti soul-jazz di questi ultimissimi anni.

Un disco dedicato a Novelli, il coronamento di un desiderio artistico lungo vent'anni.

Un lavoro spiazzante, a volte incomprensibile, ma con momenti sublimi disseminati qua e là.

Molto di più di un gruppo britannico che suona in modo “americano”.

Un disco che la dice lunga sulle attuali direzioni del jazz nordamericano e sulla voracità compositiva dei suoi musicisti.

Un onesto lavoro di recupero e riaggiustamento della tradizione.

Un distillato di jazz pieno di luccicanze melodiche.

Un tributo o un divertimento sui generis? Forse entrambe le cose...

Una vita errabonda tra le montagne, poi anni di rollii di peschereccio.

Uno dei migliori dischi folk attuali, con una voce che non si dimentica facilmente.

Un autore che annebbia il proprio strumento dentro composizioni lucide.

Il ritorno colto e maturo di un artista giovane al be-bop.

Un manierismo consapevole, a sprazzi dotato di una sottile patina d’oro.

Un jazz decisamente contemporaneo dalla forma veramente inusuale.

Colpito e affondato, così mi ha lasciato questo album dell'anziano leader degli Stray Cats.

Tutto quello che resta, effetti che diventano affetti.

Terza e ultima parte della nostra serie di articoli collegati all'album Next pubblicato da Abeat Records.

Da ventidue anni, un riferimento per il jazz e la musica contemporanea.

Un Abeat Records premiato come disco dell’anno 2021 dal magazine Musica Jazz.

Un disco prodotto nel 1972 e oggi quasi del tutto introvabile compare in copia digitale...

Un album che, nei suoi intenti, sfiora in più parti la perfezione.

Da ascoltare rigorosamente in solitudine.

Come quando un amico che non vediamo quasi mai passa a trovarci...

L'inatteso ritorno della PFM, una moneta a due facce.

Un album malinconicamente disincantato che fa riflettere.

Nato da una strana circostanza, che poteva essere un handicap, questo album si dimostra invece privo di smagliature e intenso di emozione.

Tra il richiamo degli avi e il convulso clima musicale dell’America odierna.

Dopo circa 25 anni dal primo live, il ritorno dal vivo di una firma cult.

Nuovo disco dopo uno stop di sei anni, segno di un inaspettato sforzo ideativo.

Un omaggio alla complessità storica di Wayne Shorter.

Un gruppo che si credeva ormai sepolto ritorna con talento e classe.

Un continuo movimento dello spirito dal centro del mondo alla visione periferica della vita.

Un'uscita tardiva che non dimostra però particolari segni d’invecchiamento.

Un disco dagli esiti contradditori ma sincero ed essenziale.

Una musica piena di gravità terrestre, tra caldo e zanzare grosse come aeroplani.

Dodicesimo e brillante disco: l'ex-bambino prodigio è da tempo un chitarrista di riferimento.

Lavoro originariamente suonato in un locale reso vuoto dalla pandemia, la Jazz Gallery di New York.

Una madeleine continua, che fra qualche tempo ci aggancerà a tutta un’esplosione di ricordi e sensazioni trascorse questa estate.

Difficile da catalogare, facile da apprezzare: il sesto album da titolare di Walker conferma la sua poliedricità.

L'album dell'anno della DiFranco, che non se ne fa mancare uno dal 1990.

Un magnificente concerto live tenutosi a Buenos Aires nel 2018 in due momenti diversi.

Un lavoro di assoluta piacevolezza e interesse, caratterizzato da una variegata proposta di componenti ritmiche.

Un lavoro scoppiettante, ispirato alle figure di Django Reinhardt e Sidney Bechet.

Un lavoro divertente, nostalgico quanto basta e ruffiano per necessità.

Un disco che sorprende: composizioni di stampo classico-moderno fatte eseguire da altri famosi chitarristi.

Un disco incensato dalla stampa specializzata per i suoi aspetti più piacevoli ed eclatanti.

Verve e ardore devoti di una misterica religione sonora a rischio.

Ci sono musicisti che guardano ben oltre il pentagramma.

La ripresa, in un certo senso, del Focus di Stan Getz del 1961.

Volevamo da tempo organizzare un altro incontro con i diffusori dell’azienda umbra.

Un titolo che rimanda all'alba di una vita piena.

Teso e asciutto, un autentico disco di rock-blues.

Vecchie e famose canzoni degli anni ’20 e ’30 riarrangiate per orchestra di swing.

L’ultimo bellissimo pensiero è una lettera d'amore in musica.

Un gran live, perciò da ascoltare ad alto volume.

Probabilmente un nuovo riferimento per i jazzisti futuri.

Mogol, Iannucci, Iuppariello e Russo rispondono.

Una voce limpidissima e dotata di un’intonazione perfetta.

Uno specchio della storia artistica dell’autrice.

Un maestro della chitarra eclettica.

Un post bebop contemporaneo.

Uno tra i gruppi italiani più importanti e ribollenti d’energia di questi ultimi anni.

Il figlio di Ry suona la musica di Uncle Dave Macon.

Pubblicato nel 2002 dalla CAM Jazz in doppio CD.

Diritto d'autore, i nuovi redattori si presentano: benvenuto a Riccardo Talamazzi.